艺术理解在文学创作中的作用

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①艺术构思与创作动机:在创作动机方面 艺术理解要解决的问题是作家如何落实创作目的的问题，创作动机固然需要情感的催动，但是总是和理性交织在一起的。

②艺术理解与选材:选材是作家在大量的生活经验的储备中挑选准备表现的材料的过程，艺术理解是判断素材有用性的主要手段。

③艺术理解与构思:构思是作家调动各种心理机制将纷乱的材料组织成有序的艺术世界的过程，作家在描写人物形象和编织故事情节时常常要思考如何才能使其合情合理，也离不开艺术理解

问题：什么是艺术作品？艺术作品是什么意思？

艺术作品,是人类文化活动的一种特殊产物,它与人类诸多方面的心理、精神需要紧密相关,其中最重要的,是它满足和弥补人类不断变化、不断丰富着的心灵渴望、情感缺失,即从根本上满足一个历史时期内特定的审美需要。如果说人是社会关系的总和,那么艺术作品则以一种特殊的方式反映、体现着这一“总和”。正如法国19世纪艺术史学家丹纳所云:“要了解一件艺术品,一个艺术,一群艺术家,必须正确地设想他们所属时代的精神和风俗概况。”显然,这种以艺术作品与外部诸条件的大关系为核心的艺术理论,其主旨是指向作品意义、风格的最后阐释与评价的。客观地说,这种理论在揭示古典艺术的深层内涵方面,曾经极有效。即使在20世纪,面对五光十色的现代、后现代艺术,它的理论思路和视角仍不失锐利锋芒,有助于我们劈肌析理,从这一方向上透视现代、后现代艺术背后的真实家底———人类精神失去上帝后无法皈依的茫然、焦躁、偏执、玩世的心态以及形成这一心态的社会文化背景。

艺术作品及其相关的艺术活动,总是与整个现实世界,包括人类的情感和心灵世界相反相承的。在艺术理论和艺术发展历史的语境中,所谓艺术作品,首先必须是人类的制作,即艺术作品一定包含着制作者的某种意向。这里的“人为因素”,很重要的一个方面就是指在人类心智发展中、制约下产生的一系列“技艺”;而“意向”则是人类心灵、情感的种种欲望的表达:或理性的道德教谕,或情感的满足与缺乏,或心灵的渴望与愉悦。在迄今为止洋洋大观的世界艺术史中,作品或以突出的技巧形式传世,或以不朽的内在意蕴被铭证,更多的则是两者兼备。这并不独指古典艺术,在现代、后现代艺术作品中也不乏其例。

有研究者认为,由于后现代艺术作品从传统艺术的摹仿现实转变为现实事物本身的直接呈现,导致了艺术品与非艺术品之间界限的消失。以始自柏拉图的“艺术是对现实的摹仿”的古典艺术观点看,后现代艺术的出现,确实宣告了摹仿论者艺术品判定标准的失败。但必须指出的是,这仅仅是传统与后现代两种艺术作品观念间的矛盾,这不足以从根本上消除艺术作品首先是人工制品的判断。

西方20世纪艺术发展史表明:现代艺术具有反传统的鲜明性,但又以一种特殊的方式体现着与传统精神的一致性,那就是更为自觉、更为执着地通过对人深层心理的透视与显现达到对人类生存境遇、心灵状态的终极关怀。从这个角度看,现代艺术作品在注重技巧的精深细腻与表现创作者的感悟与内心情态方面,并不逊于传统作品。因此它无疑仍是与古典艺术一脉相承的人工制品。后现代艺术与现代及古典艺术的不同之处,是它更注重机遇和偶然性,它否认存在着一种前辈艺术家曾孜孜以求的明确深刻的终极本质,这体现在具体的艺术作品中,有两种倾向:

一种是放弃前辈极为看重的“无中生有”式的创作方式,不再津津乐道于作品的锤炼、修改、设计,而是有意识地选择一种“旧瓶装新酒”、“有中生有”的组合性创作方式。1984年威尼斯一次著名的双年展被题为“镜中艺”,意在彰明这样一种创作主张:传统是一面镜子,通过它,现代人可以窥视传统,传统也可以映现现代。许多后现代艺术作品就产生于这种历史与现实的碰撞交流之中。从那次参展的作品看,这种交流是以裁剪、拼接、复制前人作品的方式实现的。法国画家伽罗斯特参展的作品是画于1982年的《草地上的晚餐》,乍看之下它与马奈的1836年的同名作品惊人地相似,很容易让人以为是抄袭或复制的赝品,但仔细观察,又发现此画中许多细节与马奈的作品不尽相同:景物略有改变,人物减少了,光线、色彩也黯淡了许多。伽罗斯特在自己的这幅作品中使用了“回忆接枝法”———将自己过去对许多大师作品风格和技法的回忆拼接在一起。对此,批评家库恩曾不客气地说:“在画面上让人想起马奈,在笔法上让人想起德拉罗瓦,画中裸体女人的造型和肉感接近鲁本斯。毫无疑问,其他各家的笔法,多少也在这幅画中出现了。整幅画里,似乎有诸多前人的特征闪烁其间,或隐或现,污染了所谓视觉意象的单一性。”[4](P231)这种风格的作品还很多,其中比较引人关注的是劳申伯格1982年创作的《得了肺炎的蒙娜丽莎》,以及早期作品(20世纪60年代的)《柿子》。前者把蒙娜丽莎从原画的背景中移植出来,重新配以堆满乱石的山谷;后者则把鲁本斯的《维纳斯的梳妆图》中的中心意象加以挪用,拼接入梯子、街景等。这些以拼接、组合技巧创作的后现代作品,除了体现创作者对前人作品的主观理解和阐释外,也在一定程度上显示了特定历史时期人们对传统与现实之关系的态度。从这一角度看,后现代艺术作品仍是离不开技巧与意蕴的人工制品。

另一种引人注意的创作倾向是以事物的直接呈现来应对传统的艺术品的精雕细刻。“行为艺术”和“波普艺术”就是相当典型的此种例证。它们或者强调艺术家乃至观众对艺术创作过程的介入,使主体及其创作活动、创作过程也成为艺术作品的构成部分,或者以自然物质的直接呈现来代替技巧的操作。这在一定程度上反映出艺术发展的当代趋向———逐渐生活化、现代化、贫民化,但当这种“行为艺术”或随意为之的“偶发艺术”还未成为人类大部分成员能享有的“艺术化的生活”本身时,当它们还只是一部分艺术家多少为了标新立异或极为个人化的理解的艺术追求时,它们依然有着强烈的人工色彩,打下了这一特殊的历史时期人类精神和情感的烙印:“行为艺术”是刻意为之的,“波普艺术”在择取物件时也留下了技巧的斧痕。

艺术的诞生是根源于人类对自身精神与理想的一种永不止息的追求。这种追求使人们趋近了艺术。只是趋近，因为没有一个人可以说他抓住了艺术本身。这一点犹如禅，即便大彻大悟，实也了无所得。艺术家通过艺术作品来传达他对周遭世界的理解与体会，陈述他对生命的诠释。每一个人每天都与周遭的世界发生关系，总是处心积虑的想获得其内心所设想的完美理想的状态。这种理想与实际产生差距时，总会有某种不满足感，许多失落，悲伤，痛苦即根源于此。而一切伟大的艺术，便是诞生于艺术家在追求其道德理想和生命理想时的挣扎。艺术恰如宗教，是一种精神的需要，而非思考的方式。艺术最本源的东西，实质上就是一种生命之境。艺术家所做的就是通过他的作品去体现他所真切感受到的生命之道。

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